Wat is Japannese teater? Tipes Japannese teater. Teater nr. Die kyogen-teater. kabuki teater

2024 Outeur: Leah Sherlock | [email protected]. Laas verander: 2023-12-17 05:25

Japan is 'n geheimsinnige en kenmerkende land, waarvan die essensie en tradisies vir 'n Europeër baie moeilik is om te verstaan. Dit is grootliks te wyte aan die feit dat die land tot in die middel van die 17de eeu vir die wêreld gesluit was. En nou, om die gees van Japan te voel, om die essensie daarvan te ken, moet jy jou na kuns wend. Dit gee uitdrukking aan die kultuur en wêreldbeskouing van die mense soos nêrens anders nie. Een van die oudste en byna onveranderde vorme van kuns wat op ons afgekom het, is die Japannese teater.

Geskiedenis van Japannese teater

Die wortels van Japannese teater gaan terug na die verre verlede. Sowat een en 'n half duisend jaar gelede het danse en musiek Japan binnegedring vanaf China, Korea en Indië, en Boeddhisme het van die vasteland af gekom - hierdie oomblik word beskou as die begin van die geboorte van teaterkuns. Sedertdien bestaan die teater op die kontinuïteit en behoud van tradisies. Wetenskaplikes stel voor dat die Japannese teater selfs dele van die antieke drama bevat. Dit konbevorder die land se verbintenis met die Hellenistiese state van Klein-Asië, sowel as Indië en China.

Elke teatergenre wat uit die dieptes van eeue gekom het, het sy oorspronklike wette en individualiteit behou. So word die toneelstukke van dramaturge van die verre verlede vandag volgens dieselfde beginsels as baie eeue gelede opgevoer. Die eer hiervoor behoort aan die akteurs self, wat ou tradisies bewaar en aan hul studente (gewoonlik hul kinders) oordra en waarnemende dinastieë vorm.

Geboorte van teater

Die geboorte van teater in Japan word geassosieer met die verskyning in die 7de eeu van die Gigaku-pantomime, wat "toneelkuns" beteken, en die Bugaku-dans - "die kuns van dans".’n Ander lot het hierdie genres getref. Gigaku het die verhoog van teaters tot in die 10de eeu beset, maar kon nie die kompetisie met meer komplekse pantomime-genres verduur nie en is deur hulle uitgedwing. Maar Bugaku word vandag opgevoer. Aanvanklik het hierdie opvoerings saamgesmelt in tempelfeeste en binnehofseremonies, toe begin dit afsonderlik opgevoer word, en ná die herstel van mag het hierdie genre van Japannese teater gefloreer en selfs groter gewildheid verwerf.

Tradisioneel word die volgende soorte Japannese teater onderskei: nee, of nogaku, bedoel vir die aristokrasie; kabuki, 'n teater vir die gewone mense, en bunraku, 'n poppekas.

Tradisionele Japannese teater vandag

In moderne tye het Europese kuns na Japan gekom, en gevolglik moderne teater. Westerse-styl massa-opvoerings, opera en ballet, het begin verskyn. Maar die tradisionele Japannese teater het daarin geslaag om sy plek te verdedig en nie gewildheid te verloor nie. Nie dit werd niedink hy is 'n tydlose rariteit. Akteurs en toeskouers is lewende mense. Geleidelik verander hul belangstellings, smaak, persepsies. Onvermydelik, die penetrasie van moderne neigings in die gevestigde en ontwikkelende teatervorm vir eeue. So is die tyd van die opvoering verminder, die tempo van aksie self versnel, want vandag het die kyker nie soveel tyd vir nadenke as wat dit byvoorbeeld in die Middeleeue was nie. Die lewe dikteer sy eie wette, en die teater pas geleidelik daarby aan.

Die teater van die aristokrasie maar

Die teater is maar in die XIV eeu gebore en het groot gewildheid onder die aristokrasie en samoerai verwerf. Dit was oorspronklik uitsluitlik bedoel vir die hoër klas van Japan.

Die teater het oor baie eeue ontwikkel en het 'n nasionale tradisie geword wat 'n diep filosofiese en geestelike betekenis bevat. Die natuurskoon is eenvoudig, die hoofklem is op maskers, waarvan die betekenis deur die kimono beklemtoon word. Kimono's en maskers word van geslag tot geslag in elke skool oorgedra.

Die toneelstuk lyk so. Shite (die hoofkarakter) op die klanke van fluite, tromme en 'n koor vertel stories oor vreedsame lewe en gevegte, oorwinnings en nederlae, moordenaars en monnike, wie se helde geeste en sterflinge, demone en gode sal wees. Die vertelling word beslis in 'n argaïese taal gevoer. Maar - die mees geheimsinnige genre van tradisionele Japannese teater. Dit word verklaar deur die diep filosofiese betekenis nie net van die maskers self nie, maar ook van al die besonderhede van die opvoering, wat 'n geheime betekenis dra, slegs toeganklik vir 'n gesofistikeerde kyker.

Teatraaldie opvoering duur van drie en 'n half tot vyf uur en bevat verskeie stukke wat afgewissel word met danse en miniatuur uit die lewe van gewone mense.

maskers maar

Maar - Japannese maskerteater. Maskers is nie gekoppel aan enige spesifieke rol nie, dit dien om emosies oor te dra. In kombinasie met die simboliese optrede van die akteurs en die musiek, skep die maskers 'n unieke atmosfeer van die Tokugawa-teater. Alhoewel dit met die eerste oogopslag moeilik is om te glo dat maskers nie regtig dien om emosies oor te dra nie. Gevoelens van hartseer en vreugde, woede en nederigheid word geskep deur die spel van lig, die kleinste kantels van die akteur se kop, komposisies van die spraakkoor en musikale begeleiding.

Dit is interessant dat verskillende skole verskillende kimono's en maskers vir dieselfde optredes gebruik. Daar is maskers wat vir sommige rolle gebruik word. Vandag is daar ongeveer tweehonderd maskers wat tot vandag toe oorleef het en van Japannese sipres gemaak is.

Optredes maar

Die teater is vreemd aan realisme en gebou eerder op die verbeelding van die gehoor. Op die verhoog, soms enigsins sonder natuurskoon, voer die akteurs 'n minimum van aksies uit. Die karakter gee net 'n paar treë, maar uit sy toesprake, gebare en koorbegeleiding blyk dit dat hy 'n lang pad kom. Twee helde wat langs mekaar staan, mag mekaar nie raaksien voordat hulle van aangesig tot aangesig is nie.

Die belangrikste ding vir die teater is gebare. Gebare kombineer beide dié wat’n sekere betekenis het, en dié wat vanweë skoonheid gebruik word en geen betekenis dra nie. 'n Spesiale intensiteit van passies in hierdie teater word oorgedra deur volledige stilte engebrek aan beweging. Dit is baie moeilik vir 'n onervare kyker om te verstaan wat op sulke oomblikke op die verhoog gebeur.

Kyogen-teater

Japannese kyogen-teater het feitlik gelyktydig met die maar-teater verskyn, maar dit verskil grootliks daarvan in sy tema en styl. Maar - die teater van drama, ervarings en passies. Kyogen is 'n klug, 'n komedie gevul met eenvoudige grappies, onwelvoeglike en leë ophef. Kyogen is toeganklik vir almal, die betekenis van die toneelstuk en die optrede van die akteurs hoef nie ontsyfer te word nie. Tradisioneel dien kyogen-toneelstukke as 'n tussenspel in noh-teateropvoerings.

Die repertorium van die kyogen-teater sluit toneelstukke uit die 15de-16de eeue in. Dit is sowat tweehonderd-en-sestig werke waarvan die skrywers meestal onbekend is. Tot aan die einde van die 16de eeu is toneelstukke van mond tot mond van onderwyser tot leerling oorgedra en is dit nie op papier neergeskryf nie. Dit was eers teen die einde van die 17de eeu dat geskrewe media begin verskyn het.

Daar is 'n duidelike klassifikasie van toneelstukke in kyogen:

• oor die gode;
• oor feodale here;
• oor vroue;
• oor bose geeste, ens.

Daar is produksies wat geringe gesinsprobleme uitlig. Hulle speel op die onbestendigheid van mans en die geslepenheid van vroue. Die meeste van die toneelstukke word gewy aan 'n bediende genaamd Taro.

Kyogen-karakters is gewone mense in wie se lewens niks besonder betekenisvol gebeur nie. Aan die begin van die toneelstuk word al die karakters aan die gehoor voorgestel. Akteurs van die teater word in groepe verdeel: hoof - sit, sekondêr - ado, derde - koado, vierde in belangrikheid - chure en vyfde in belangrikheid.betekenis - tomo. Die grootste kyogen-toneelspelskole is Izumi en Okura. Ten spyte van die feit dat noh en kyogen verwant is, word die akteurs vir hierdie teaters afsonderlik opgelei.

Japannese kyogen-teatergenre het drie soorte kostuums:

• Mnr;
• bediendes;
• vroue.

Alle kostuums word gemaak volgens die mode van die 16de en vroeë 17de eeue. Soms kan maskers in teatervertonings gebruik word. Maar dit is nie maskers nie, maar om emosies uit te druk, dit is maskers wat die rol van die karakter bepaal: 'n ou vrou, 'n ou man, 'n vrou, 'n demoon, 'n god, diere en insekte.

Na die einde van die Tweede Wêreldoorlog is die kyogen-teater opgedateer, en die toneelstukke is onafhanklik opgevoer, en nie net as deel van die noh-teateropvoerings nie.

Kabuki - tempeldansersteater

Kabuki-vertonings is oorspronklik vir almal ontwerp. Kabuki-teater het aan die begin van die Tokugawa-era verskyn en word geassosieer met die naam van die tempeldanser en die dogter van die smid Izumo no Okuni.

Die meisie het in die 17de eeu na Kyoto verhuis, waar sy rituele danse op die oewer van die rivier en in die middel van die hoofstad begin uitvoer het. Geleidelik het romantiese en erotiese danse die repertorium begin betree, en musikante het by die uitvoering aangesluit. Met verloop van tyd het haar optrede in gewildheid toegeneem. Okuni het vinnig daarin geslaag om danse, ballades, gedigte in 'n enkele geheel in opvoerings te kombineer, wat die Japannese kabuki-teater geskep het. Letterlik word die naam van die teater vertaal as "die kuns van sing en dans." Op hierdie stadium het net meisies aan die vertonings deelgeneem.

Die gewildheid van die teater het gegroei,dikwels het hooggeplaaste inwoners van die hoofstad verlief begin raak op die pragtige dansers van die groep. Die regering het nie van hierdie toedrag van sake gehou nie, veral omdat daar begin gevegte gereël word vir die liefde van aktrises. Dit, asook oordrewe eksplisiete danse en tonele, het daartoe gelei dat 'n dekreet gou uitgevaardig is wat vroue verbied het om aan optredes deel te neem. So, onna kabuki, die vroueteater, het opgehou om te bestaan. En op die verhoog was daar 'n manlike Japannese teater - wakashu kabuki. Hierdie verbod was van toepassing op alle teateropvoerings.

In die middel van die 19de eeu is die dekreet amptelik gekanselleer. Die tradisie van die vertolking van alle rolle in uitvoerings deur mans het egter tot vandag toe behoue gebly. Dus, die kanonieke Japannese teater is die manlike Japannese teater.

Kabuki vandag

Vandag is Japannese kabuki-teater die gewildste van die tradisionele dramatiese kunste. Teaterakteurs is welbekend in die land en word dikwels na TV- en rolprentskietsessies genooi. Vroue se rolle in baie troepe het weer deur vroue begin vertolk. Boonop het teatergroepe wat slegs vir vroue bestaan het.

Die essensie van Kabuki-teateropvoerings

Kabuki-teater beliggaam die waardes van die Tokugawa-era, dit vorm die basis van die erwe. Dit is byvoorbeeld die wet van geregtigheid, wat die Boeddhistiese idee beliggaam om 'n lydende persoon en onontbeerlike straf van 'n skurk te beloon. Ook die Boeddhistiese idee van die verganklikheid van die aardse wanneer hooggebore gesinne of magtige leiers misluk. Konflik kan dikwels gebaseer wees op 'n botsing vanConfuciaanse beginsels soos plig, plig, respek vir ouers en persoonlike aspirasies.

Grimering en kostuums pas soveel as moontlik by die rolle wat die akteurs vertolk. Dikwels stem die kostuums ooreen met die mode van die Tokugawa-era, is elegant en so veel as moontlik gestileer. Maskers word nie in optredes gebruik nie, hulle word vervang deur die mees komplekse grimering, wat die inhoud van die rol weerspieël. Ook in opvoerings word pruike gebruik, wat geklassifiseer word volgens die sosiale status, ouderdom en beroep van die karakters.

Bunraku-teater

Bunraku is 'n Japannese poppenteater. Soms word dit ook verkeerdelik joruri genoem. Joruri is die naam van 'n bunraku-teatervertoning en terselfdertyd die naam van een van die poppe, die ongelukkige prinses. Dit was met ballades oor hierdie heldin dat die teater begin het. Aanvanklik was dit nie 'n marionet nie, en swerwende monnike het liedjies gesing. Geleidelik het musikante by die optrede aangesluit, en die gehoor het begin om foto's te sien wat die karakters uitbeeld. En later het hierdie prente in poppe verander.

Die belangrikste ding in die teater is gidayu - 'n leser, van wie se vaardigheid die sukses van die hele opvoering afhang. Die leser voer nie net monoloë en dialoë nie, sy taak is ook om die nodige klanke, geluide, piep te maak.

Teen die middel van die 17de eeu het die hoofkanonne van musikale uitvoering en voordrag in bunraku ontwikkel, maar die poppe self het vir 'n lang tyd aanhou verander. Met verloop van tyd het die tegniek ontstaan om een pop deur drie mense te beheer. Japan se bunraku-teater het 'n ou tradisie om poppe te maak. Hulle het nie 'n liggaam nie, dit word vervang deur 'n reghoekige houtraam wat met drade verweef is om die kop te beheer,hande en voete. Boonop kan net manlike poppe bene hê, en selfs dan nie altyd nie. Baie lae klere word op die raam gesit, wat volume en ooreenkoms met die menslike figuur gee. Die kop, arms en, indien nodig, die bene is verwyderbaar en word op die raam geplaas indien nodig. Die arms en bene is uiters beweegbaar en gemaak sodat die pop selfs 'n vinger kan beweeg.

Die marionetbeheertegniek het dieselfde gebly, hoewel verbeter – drie akteurs is nodig om een marionet, wie se lengte twee-derdes van 'n persoon se lengte is, te manipuleer. Die akteurs kruip nie weg vir die publiek nie, maar is net daar op die verhoog, hulle is geklee in swart maskers en klere. Die agterverhoog, die verhoogagtergrond, die gordyn en die musikante se platform het ook swart kleur. Teen hierdie agtergrond staan natuurskoon en poppe in kleurvolle uitrustings en met witgeverfde hande en gesigte helder uit.

Die hooftema van die bunraku-teater is die beeld van botsings van gevoelens en plig, "gewigte" en "ninja". In die middel van die verhaal is 'n persoon wat toegerus is met gevoelens, aspirasies, 'n begeerte om die lewe te geniet. Hy word egter belemmer deur die openbare mening, plig, sosiale en morele norme. Hy moet doen wat hy nie wil doen nie. Gevolglik lei die konflik tussen plig en persoonlike aspirasie tot tragedie.

Teatraliese skaduwees

Die skadu-teater het sy wortels in antieke tye. Asië word beskou as die plek van sy oorsprong, en dit het sy grootste welvaart in China bereik. Dit is waar Japannese skadu-teater vandaan gekom het.

Aanvanklik is syfers in optredes gebruik,uit papier of leer gesny. Die verhoog was 'n houtraam wat met wit lap bedek is, waaragter die akteurs weggekruip het, die figure beheer en gesing het. Die rigtinglig het die aksiefigure op die skerm weerkaats.

Skadu-teater in verskillende gebiede het sy eie tipe figure en repertorium van liedjies wat opgevoer is.

Yose Theatre

Yose is 'n tradisionele Japannese komiese teater. Dit het in die 17de eeu ontstaan, en die eerste vertonings is in die buitelug gehou. Maar met die gewildheid van die teater het spesiale huise vir sulke opvoerings begin verskyn - yoseba.

Die teaterstukke behoort tot die rakugo-genre - satiriese of komiese verhale, altyd met 'n onverwagte einde, gevul met woordspelings en kwinkslae. Hierdie stories het ontwikkel uit sta altjies geskep deur rakugoka - professionele storievertellers.

'n Kunstenaar geklee in 'n kimono gaan sit op 'n kussing in die middel van die verhoog, gewoonlik met 'n handdoek en 'n waaier in sy hande. Die helde van die verhaal was mense van verskillende klasse, die onderwerp van die stories is deur niks beperk nie. Die enigste konstante was dat die stories snaaks was, verband hou met politieke, huishoudelike, aktuele en historiese situasies.

Die meeste van die verhale is gedurende die Edo- en Meiji-tydperk geskep, so die beskryfde tradisies, lewe en probleme is min bekend en vreemd aan die moderne kyker. In hierdie verband skryf baie rakugo-akteurs self satiriese stories oor aktuele kwessies.

Manzai is nog 'n genre van yose. Hierdie is 'n komiese dialoog, sy wortels gaan terug na tradisionele Nuwejaars-optredes, wat deur liedjies, danse en toneelspel begelei is.komedie tonele. Geleidelik het elemente van klug, musiekblyspele en ander genres die manzai betree, wat dit selfs meer gewild gemaak het en dit toegelaat het om op televisie te kom.

Yose-teater word ook verteenwoordig deur die genres van nanivabushi ('n soort ballade) en kodan (fiksielees). Kodan is 'n storie gebaseer op die optrede van rondreisende kunstenaars. Die oorspronklike tema van die verhale (gevegte van die verlede) het uitgebrei, en dit het gesinskonflikte, hofsake van legendariese regters, politieke gebeure, ongewone sake in die lewens van gewone burgers ingesluit. Nie alle onderwerpe is egter deur die owerhede aangemoedig nie. Dikwels is optredes selfs verbied.

Synopsis

Tradisionele Japannese teater is 'n veelkleurige en komplekse wêreld, waarvan die elemente akteurs, musikante, maskers, natuurskoon, kostuums, grimering, poppe, danse is. Dit alles vorm 'n unieke en onnavolgbare geheimsinnige wêreld van Japannese teaterkuns.