Marmerstandbeeld: die geskiedenis van beeldhouwerk, die grootste beeldhouers, wêreldmeesterstukke, foto's

2024 Outeur: Leah Sherlock | [email protected]. Laas verander: 2023-12-17 05:25

Wit marmer is die vrugbaarste materiaal vir beeldhouwerke wat mense uitbeeld. Dit is so sag dat dit hom goed tot die snyer leen, maar terselfdertyd is dit dig genoeg om die fynste besonderhede te laat kerf en slyp perfek aanvaar. Die marmerbeeld dra die emosionele toestand, sensualiteit en anatomiese perfeksie van die menslike liggaam die beste oor. Die beeldhouers van antieke Griekeland was die eerstes wat die beeldhoukuns op so 'n vlak gebring het, toe dit begin lyk het dat 'n dooie klip tot lewe begin kom en pragtige buitelyne gekry het. Sedertdien het kunstenaars van ander eras konsekwent probeer om die tegniek van marmerbeeldhouwerk te verbeter om hul verhewe idees so lewendig en figuurlik moontlik uit te druk, om onberispelike vorms en die diepte van menslike gevoelens oor te dra.

Hoekom marmer?

Sedert antieke tye het die Egiptenare wyd verskillende soorte klip gebruik vir die vervaardiging van beeldhouvorme, soos swart obsidiaan en bas alt, groenbruin dioriet, pers porfier, sagte kalsietalbast, kalksteen. Sedert die oudheid is standbeelde van brons en legerings geskep. So hoekom is dit dat marmer so waardeer word deur kunstenaars, en hoekom lyk werke van hierdie materiaal amper lewendig?

Soos albast, waarvan die dun plate lig goed deurlaat, is marmer saamgestel uit kalsiet en behou ook 'n mate van ligtransmissie. Sommige fluweelagtige tekstuur vorm nie kontrasterende hoogtepunte en skerp diep skaduwees wat inherent aan metaal is nie, en produseer 'n sagte spel van lig en skadu. Beeldhoubare marmer het 'n digte struktuur en die ligste toon, wat saam met gladde polering van die materiaal lig goed weerkaats, anders as gekleurde klippe. Al hierdie eienskappe gee in 'n groter mate die indruk van lewende vlees in marmerbeelde as dié wat uit ander materiaal geskep is.

Skulpturale marmer bevat die minste hoeveelheid onsuiwerhede, wat nie net die amper wit kleur aantas nie, maar ook die eenvormigheid van die klip. Dit is 'n plastiekmateriaal wat maklik is om te verwerk, maar dig en hard genoeg om skeure en krake te vermy, sodat jy die kleinste besonderhede kan uitwerk. Daarom word marmer veral deur beeldhouers verkies.

Antiquity

Die antieke Griekse beeldhoukuns het sy hoogtepunt in die 5de eeu vC bereik. Op daardie tydstip het die basiese tegnieke, tegnieke, wiskundige berekeninge ontwikkel wat nodig is vir die geboorte van standbeelde. 'n Spesiale stelsel van proporsies het gevorm wat die ideaal van die skoonheid van die menslike liggaam definieer en 'n klassieke kanon geword het viralle generasies van kunstenaars. In die loop van 'n eeu het die vlak van vakmanskap van Griekse beeldhoukuns volmaaktheid bereik. Die standbeelde van daardie tydperk was egter meestal gemaak van brons en hout met goud en ivoor afwerking. Marmerbeelde het hoofsaaklik die frontale, frise en buitemure van tempels versier, meestal in die vorm van reliëfs, bas-reliëfs en hoë reliëfs, dit wil sê, gedeeltelik ondergedompel in die agtergrondvlak.

Vanaf die 4de eeu vC word die beeldhouwerke van Griekeland gekenmerk deur 'n spesiale plastisiteit van houdings, die oordrag van sensualiteit, drama en splitsing, vir die verpersoonliking waarvan die meesters marmer begin verkies het. Om die skoonheid van menslike gevoelens en die liggaam te verhef, het die groot antieke beeldhouers "lewende" marmerbeelde geskep. In die grootste museums van die wêreld bewonder mense tot vandag toe die perfeksie van gesnede vorms en die virtuose werk van kunstenaars soos Scopas, Praxiteles, Lysippus, minder bekende beeldhouers en diegene wie se name die geskiedenis nie bewaar het nie. Klassieke werke vir baie eeue dien as 'n akademiese standaard, wat tot in die tydperk van moderne kuns deur alle generasies beeldhouers gevolg is.

Middeleeue

Dit is verstommend hoe vinnig met die koms en ontwikkeling van die Christendom, die prestasies van die antieke kunste en wetenskappe aan die vergetelheid oorgedra is. Die hoë vaardigheid van beeldhouers is verminder tot die vlak van die gewone ambag van onbekwame kerwers. Reeds aan die einde van die 12de eeu nogal kru en primitiewe standbeelde, nie heeltemal uitgekerf en geskei vandie fondamente het deel gebly van die klipblok, wat in die muur van die tempel gemonteer is. Vrystaande figure verskyn eers uit die 13de eeu, maar met uitdrukkinglose gesigte in ingeperkte statiese poses, eerder soos argaïese afgode, het hulle net 'n argitektoniese toevoeging gebly. Naakte natuur en die weerspieëling van sensualiteit word onaanvaarbaar, die klassieke beginsels van skoonheid en proporsies word vergeet. By die vervaardiging van 'n marmerbeeld word meer aandag gevestig op die voue van klere, en nie op die gesig nie, wat 'n bevrore uitdrukking van onverskilligheid gegee is.

Renaissance

Pogings om die verlore kennis en vaardigheid van beeldhouwerk te laat herleef, om 'n teoretiese basis van tegnieke te skep, het aan die einde van die XII eeu in Italië begin. Met die begin van die XIII eeu op die Apennine-skiereiland, het Florence die sentrum geword vir die ontwikkeling van kuns en kulturele invloed, waarheen alle talentvolle en bekwame vakmanne gejaag het. Terselfdertyd open die eerste groot skool vir beeldhou in Pisa, waar kunstenaars die wette van antieke argitektuur en beeldhouwerk bestudeer en herontdek, en die stad verander in die middelpunt van klassieke kultuur. Standbeeldmaak is besig om 'n dissipline op sy eie te word, eerder as 'n klein toevoeging tot argitektuur.

Die 15de eeu was 'n totale tydperk van verandering in kuns. Kunstenaars herleef en neem die wette van proporsies en skoonheidskanonne wat in die oudheid erken is as 'n standaard. In die brons- en marmerbeeld streef die beeldhouers weer daarna om menslike gevoelens met edel en verhewe weerspieëling te weerspieël, om die subtiele nuanses van emosies oor te dra, die illusie van beweging weer te gee en om die houdings van die figure te verlig. Hierdie eienskappe onderskei die werk van Ghiberti, Giorgio Vasari, Andrea Verrocchio en die grootste meester Donatello.

High Renaissance

Die kort stadium van die Renaissance word die Hoë Renaissance genoem, dit dek die eerste dertig jaar van die 16de eeu. Hierdie kort tydperk het geblyk 'n ontploffing van kreatiewe genie te wees wat onoortreflike skeppings gelaat het en die vorming van verdere neigings in kuns beïnvloed het.

Italiaanse beeldhouwerk in sy ontwikkeling het sy klimaks bereik, en sy hoogste punt was die werk van die grootste kunstenaar en beeldhouer van alle tye - Michelangelo. Die marmerbeeld, wat uit die hande van hierdie talentvolle meester gekom het, kombineer die hoë kompleksiteit van die samestelling, die perfekte tegniese verwerking van die materiaal, die perfekte vertoon van die menslike liggaam, die diepte en verhewenheid van gevoelens. Sy werke straal 'n gevoel van spanning, verborge krag, kolossale geestelike krag uit, hulle is vol edele grootsheid en tragedie. Onder die beeldhouwerke van die meester, "Moses", word die komposisie "Klaaglied van Christus" ("Pieta") en 'n marmerstandbeeld van Dawid as 'n groot prestasie van menslike genialiteit beskou. Volgens kunshistorici kon niemand ná Michelangelo so iets herhaal nie. Kragtige, te vrye en uiters individuele styl as gevolg van die enorme talent van die kunstenaar en was buite die bereik van sy talle studente, volgelinge en nabootsers.

Barok

In die stadium van die Laat Renaissance, genoemmaniërisme, word 'n nuwe styl gevorm - barok. Dit is gebaseer op die beginsels van absolute klassisisme, maar die beeldhouvorme verloor hul vroeëre eenvoud van lyne, opregtheid en edelheid van die idee. Die houdings van die karakters kry oormatige pretensie en maniertjies, ingewikkelde komposisies word bemoeilik deur 'n oormaat besonderhede, en die gevoelens wat vertoon word, is teatraal oordrewe. Die meeste beeldhouers, wat die uiterlike effek nagejaag het, het probeer om slegs die vaardigheid van uitvoering en hul ryk verbeelding te toon, wat tot uitdrukking gekom het in die noukeurige studie van talle besonderhede, pretensieusheid en ophoop van vorms.

Hierdie tydperk word egter gekenmerk deur uiters fyn, amper juweliersware-tegniek en vaardigheid in marmerkleding. Uitstaande beeldhouers soos Giovanni Bologna ('n student van Michelangelo), Bernini, Algardi het meesterlik die indruk van beweging oorgedra, en nie net baie komplekse, soms oënskynlik onstabiele, komposisie en houdings van figure nie, maar ook uitstekend uitgekerf, soos gly voue van klere. Hulle werke is baie sensueel, hulle lyk perfek en beïnvloed die diepste emosies van die kyker, en trek sy aandag vir 'n lang tyd vas.

Daar word geglo dat die styl tot aan die einde van die 18de eeu geduur het, en hom ook in ander rigtings manifesteer. Maar in die 19de eeu, toe kunstenaars slegs die vorige stadiums van kuns gereproduseer het, het barokkenmerke dikwels in beeldhouwerk uitdrukking gevind. So 'n wonderlike voorbeeld is die marmerbeelde met 'n sluier deur die Italiaanse meester Rafael Monti, wat die ondenkbare illusie van 'n deursigtige sluier uit klip geskep het.

Gevolgtrekking

Deur die 19de eeu was die marmerbeeld steeds onder die absolute invloed van streng klassisisme. Sedert die tweede helfte van die eeu soek beeldhouers na nuwe uitdrukkingsvorme vir hul idees. Ten spyte van die vinnige verspreiding van realisme in die skilderkuns, toe kunstenaars probeer het om die ware werklikheid van die lewe te weerspieël, het beeldhouwerk egter vir 'n lang tyd in die greep van akademisisme en romantiek gebly.

Die laaste twintig jaar van die eeu is gekenmerk deur 'n realistiese en naturalistiese tendens in die werke van die Franse beeldhouers Bartholome, Barrias, Carpeau, Dubois, F alter, Delaplanche, Fremier, Mercier, Garde. Maar hoofsaaklik die werk van die genie Auguste Rodin, wat die voorloper van moderne kuns geword het, het uitgestaan. Sy volwasse werke, wat dikwels skandaal veroorsaak en gekritiseer is, het die kenmerke van realisme, impressionisme, romanse en simboliek beliggaam. Die beeldhouwerke "Citizens of Calais", "The Thinker" en "The Kiss" word as wêreldmeesterstukke erken. Beeldhouwerk deur Rodin is die eerste stap in die rigting van die vorme van die komende tendense van die 20ste eeu, toe die gebruik van marmer geleidelik verminder is ten gunste van ander materiale.